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Notes de lecture

Christopher R. Smit (ed.), Michael Jackson, Grasping The Spectacle

Isabelle Stegner-Petitjean
p. 235-237
Référence(s) :

Christopher R. Smit, Michael Jackson, Grasping The Spectacle, Farnham / Bulington, Ashgate, 2012

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Genre musical :

pop music
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Texte intégral

Ce texte est une version longue de celle publiée dans l’édition papier.

1L’ouvrage édité par Christopher R. Smit, Michael Jackson, Grasping The Spectacle, est une collection d’essais ayant pour fil conducteur la notion d’appréhension, de ‘saisissement’ (grasping) du spectacle jacksonien : il offre des pistes de compréhension et des mises en lumière mais également une ‘poursuite’ (chasing) de ce spectacle, en tant que suite à donner et quête de sens.

2Par « spectacle » il faut entendre l’idée d’une réalité créée par l’artiste qui se met en scène et emprunte à la praxis sociale globale des signes appartenant tant à la réalité qu’à l’image (Debord, 1967). Le Spectacle déroulé par Michael Jackson durant quarante ans a dépassé le cadre de la scène et toujours suscité l’interrogation et la controverse. Il a aussi dépassé la mise en scène pour être porté à même le corps. « Que signifie “connaître” Michael Jackson ? » Les questions d’authenticité, les modalités de cette « séparation généralisée » entre réalité et perception, entre artiste et public, sont relus, dans le présent ouvrage, à la lumière des dimensions artistiques pluridisciplinaires et intertextuelles de la production et de la personne de Michael Jackson.

Le spectacle jacksonien est analysé via cinq types de cartographies narratives : son corps, son environnement (Neverland), son capital symbolique, ses productions vidéographiques ou scénographiques et son exploitation et sa récupération médiatiques. Par leur intermédiaire, les auteurs abordent les questions raciales et genrées, la notion d’étrangeté, les implications politiques, religieuses ou les idéologies véhiculées par le startext jacksonien.

3En posant l’ultime spectacle, le « revival religieux » (David Dark) qu’est This is it comme témoignage et legs, moment charnière et climax, Christopher R. Smit ouvre un espace artistique témoin d’une approche jacksonienne qui élude toute projection, représentation, ou appartenance à une substance ou un style univoque en jouant sur les confusions identitaires, temporelles, spatiales, par la pluridisciplinarité et l’intertextualité. Dépassant le cadre artistique pour atteindre les sphères historiques et post-politiques (d’Elia, 2010), cette non appartenance, ce « non-sujet » (Amy C. Billone) sert de levier à l’artiste pour décatégoriser, fluidifier et incarner un projet égalitaire d’hybridité (Margo Jefferson, Julian Vigo), de fuite en avant vers un futurisme cyberpunk (Ruchi Mital) ou utopiste (Carl Miller), pour gagner une éternité médiatisée (Zack Stiegler), post-politique et -religieuse (David Dark, Diane York Blaine) ou même iconographique (Brett M. Van Hoesen)

4Grasping The Spectacle aborde ce qu’il convient d’appeler le « projet » artistique jacksonien comme une méta-narration imbriquant, dans un tissage serré, la production et la mise en corporalité du chanteur. Organisés en trois parties : « Mythologie et Identité », « Musique et Image », « Corps et Mort », les quatorze articles apportent des regards croisés sociologiques, historiques et musicologiques et proposent une re-contextualisation des problématiques que soulèvent les différentes strates narratives et degrés de représentation et d’auto-représentation de Michael Jackson. Les auteurs se sont appliqués à argumenter ou à redéfinir l’étrangeté généralement attribuée à l’artiste (Margo Jefferson, Julian Vigo, Amy C. Billone, Raphael Raphael, Sclotterbeck), sa fluidité raciale et l’anxiété sociale qui en résulte (M. Jefferson, J. Vigo, Sherrow O. Pinder, Julie-Ann Scott), ses accointances avec l’imaginaire (Amy C. Billone, Ruchi Mital, Carl Miller) ainsi que son potentiel et sa récupération positive et charismatique (David Dark, Diane York Blaine, Zack Stiegler).

5Les analyses sémiologiques de certaines vidéos, d’extraits de concerts et diffusions télévisées (films, interviews) constituent une grande part de l’ouvrage et constituent le vivier des différents argumentaires. Mais si ces œuvres et productions visuelles, incluant les portraits et sculptures de l’artiste, sont très présentes, on pourra regretter que la musique ne soit mise à l’honneur que sous un biais encore visuel, traitant de l’adaptation vidéographique des chansons Thriller et Black or White (Chr. Wiley). L’ouvrage constitue donc un intéressant intermédiaire entre les publications spécialisées éditées en mars 2010 dans le Journal of Pan African Studies et celles, contenant davantage d’approches musicologiques, jalonnant le numéro de Popular Music Society édité en 2012.

6Grasping The Spectacle ouvre la discussion en reprenant un extrait de l’analyse esquissée par Margo Jefferson en 2006 et du postulat d’étrangeté à l’encontre de l’artiste, à grand renfort d’enfance difficile et d’exil mental et géographique à Neverland. Mais à ce déni de la réalité, Julian Vigo (Vigo, 2010 : 29-41) oppose vite une approche postmoderne tempérée et réactualisée qui voit en la physicalité de Michael Jackson un langage à même le corps et une incarnation de différents niveaux de bataille : celui d’une démarche intime relevant des coïncidences de sa condition et de sa santé ; celui d’une bataille identitaire comme charnière entre le somatique et le performatif ; et enfin, en créant un nouveau langage pour un corps niant à la fois son héritage social et physique, celui d’un défi frontal vis-à-vis des carcans d’une société obsédée par la race, où l’identité et le nom priment sur l’attitude et la représentation. Tabula rasa des échanges raciaux et culturels, Michael Jackson donnerait à voir un corps humain plutôt que le corps d’une race et aurait bâti une œuvre métaphorique, à la fois siège d’un vaste combat pour les inégalités et medium de capitalisation des emprunts historiques et culturels pluriels évacuant toute possibilité d’interprétation univoque. Pris sous cet angle, le problème central relève donc davantage de l’incapacité de notre société à accepter la différence que du pathologique déni de soi attribué arbitrairement à Michael Jackson.

7Cette anxiété sociale est d’ailleurs analysée par Sherrow O. Pinder qui revoit la problématique raciale sous l’angle d’une crise d’identité générée par le prisme de la « double-conscience » (Du Bois, 2003 : 5). L’ancrage social de Michael Jackson a la particularité d’être dominé non par un reniement ou une appartenance, mais par une ambiguïté raciale. Sa posture ubiquitaire fait fi d’une relation coloriste symbiotique de subordination-domination séculaire, impose une redéfinition de la racialité et défie la normalité en tant que donnée « naturelle » et « vérité ». S.O. Pinder pointe de façon intéressante les facteurs anxiogènes liés à cette non-possibilité de se positionner dans des structures de compréhension et de subjectivité. Michael Jackson met en danger l’être social, cet instrument de contrôle pointé par Judith Butler (1991 :27), provoquant résistance, punition et humiliation trans-raciales de la part de ses contemporains. Mais Julie-Ann Scott apporte également une pierre à l’édifice en pointant notre dépendance tenace et anxieuse vis-à-vis des signifiants culturels et notre participation active, même inconsciente, à ce qu’elle qualifie de nettoyage culturel. Les transformations de l’artiste sont entrevues comme un événement participatoire, un spectacle co-constitué et en interaction avec un public massif qui a lutté ensemble pour co-créer son icône culturelle. Pour l’auteur, les déductions psychotiques transposées sur l’artiste pour justifier ses transformations sont à voir comme une projection de notre anxiété, de notre résistance donc au démantèlement possible des signifiants sociaux. Le visage changeant de Michael Jackson bouscule, défie et casse les idéaux de réalité, de bon, de bien, de valeur et de vérité que nous forgeons dans nos rencontres quotidiennes avec l’autre, dans cette familiarité qui nous fait entrevoir nos interprétations comme des vérités préexistantes et éternellement fixées, bases de nos identités et croyances. Si Michael Jackson a toujours été loué pour son talent artistique et pris en pitié ou en dérision pour son apparence, l’analyse de Julie-An Scott nous montre que l’interprétation que Michael Jackson a faite de lui-même est aussi innovante, créative et captivante que ne l’a été son corpus.

8Outre la problématique raciale, l’appréhension de l’étrangeté jacksonienne est également au cœur de l’ouvrage. Altérité corporelle, tout d’abord, pour laquelle Raphael Raphael offre une historisation et une politisation du vocable de « monstre » répandu par les médias. Plutôt qu’une interprétation de ses caractéristiques physiques, l’auteur choisit ici de placer la carrière de l’artiste sous les projecteurs de la longue tradition des spectacles de curiosités (freakshows) du musée de Barnum aux expositions médiatiques à sensation, en passant par le contexte sensible du schisme et des représentations raciales des années 1960. Le startext de Michael Jackson est entrevu comme une métaphore des rhétoriques contradictoires visant à définir la normalité, puisqu’il représente les dangers de la dissidence autant que la célébration d’autres possibilités de corporalité et donc l’envisagement d’autres ordres sociaux et politiques. Nouveau medium politique porteur d’un pouvoir culturel et inscrit dans une dynamique de résistance et de protestation, la fluidité corporelle de Michael Jackson a eu un impact bien supérieur à celui des plus grandes valeurs et exportations américaines et constitue ce que James Baldwin (1985a : 150-151, 192, 256-260 ; 1985b : 689) considérait déjà en 1985 comme une violation de la sacro-sainte binarité raciale et genrée américaine, augurant déjà qu’on ne lui pardonnerait pas de sitôt d’avoir fait tourner autant de tables. R. Raphael démontre avec intérêt – en passant les coulisses et implications politiques et symboliques de différents spectacles scéniques et télévisés jacksoniens au crible des stratégies d’ambivalence, de double-langage et d’inversion – à quel point il était devenu nécessaire de fixer et de contenir de manière ultime une fluidité qui entretenait avec le pouvoir une relation ambiguë.

9Mais l’étrangeté jacksonienne passe obligatoirement par Neverland. Alors que M. Jefferson avait présenté le site comme une prison-sanctuaire, la projection extérieure et à grande échelle de l’intériorité chaotique et fragmentée de l’artiste, l’analyse d’Amy C. Billone s’intéresse davantage, via Peter Pan, au rôle crucial joué par la fantaisie dans l’identité de Michael Jackson. Son étrangeté véritable serait plutôt le résultat de sa capacité suprême à brouiller les frontières entre le « hors » et le « sur » scène, à flouter et imbriquer dangereusement les sphères publiques et privées. Replacé au sein des implications genrées et générationnelles du rôle de Peter Pan dans le pantomime de J.M. Barrie (1904), Neverland devient le siège de nombreuses dichotomies : fantaisie / cauchemar ; vie éveillée / sommeil ; échappatoire / exil ; absence d’enfance / réactivation magique de l’enfance. En s’appuyant sur l’analyse de Marjorie Graber (1992 : 184), A.C. Billone voit en Peter Pan un spectacle multi-crises et un état de non vie, de rêverie, suscitant des liens biographiques inévitables avec l’activité nocturne et les réalisations magiques de Michael Jackson. En se transformant en un univers cauchemardesque, Neverland aurait rompu avec la part d’idéal inhérente à toute étrangeté, et l’artiste aurait échoué à créer dans la vie réelle la magie qu’il faisait naître sur scène. Michael Jackson aurait donc si bien su incarner le rêve, sur scène, qu’il aurait lui-même complètement disparu, devenu anonyme, à l’instar du titre de l’étude sémiologique menée par Amélie Dalmazzo (2009 ; 2010) : Michael Jackson n’a jamais existé.

10Ruchi Mital aborde à son tour l’étrangeté sous l’angle de la transformation, Michael Jackson incarnant le futur dans le présent par des oppositions-complémentarités entre création/simulation, humanité/post-humanité, héros mythique/artiste classique. Entrevu sous l’angle de la science-fiction cyberpunk, Michael Jackson interroge les possibilités de liberté et de transcendance dans une hyper-réalité qui marque l’univers postmoderne. Sa capacité à bouger et à se transformer (évolution sociale, mouvements de danse illusionnistes ou robotiques, utilisation de la science-fiction et de la magie, sur-médiatisation) joue avec le virtuel et la réalité, créant un monde de cirque et de rumeur au sein duquel il se donne la possibilité d’évoluer librement. Par le biais du film Moonwalker ou de l’album HIStory, Past, Present and Future, l’auteur explique qu’en brouillant les frontières temporelles et physiques par ses rétrospectives récurrentes, ses « films dans le film », et ses mutations corporelles cyberpunk, Michael Jackson a montré le futur tout en restant inscrit dans une tradition artistique et a incarné tous les rôles en même temps, superstar, superhéros, simulateur, créateur de simulation, victime, vainqueur, humain, machine, vrai, imaginaire, prouvant qu’avec une conscience éclairée de sa condition, ce pouvoir qu’a l’artiste de créer et de toucher demeure possible et vital.

11L’ouvrage propose également une parenthèse originale en ouvrant le champ corporel sur les représentations iconographiques et sculpturales de Michael Jackson dans l’art contemporain pop ou postmoderne. D’Andy Wharol à Yasumasa Morimra en passant par Jeff Koon, Brett M. Van Hoesen aborde l’impact de la personnalité publique complexe de l’artiste sur ces modes de représentations, avec des œuvres stigmatisant tour à tour l’innocence, la nature grotesque d’une megastar ou l’incarnation-même de l’objet de consommation de masse. L’auteur montre que Michael Jackson n’a pas seulement été le symbole et le support narratif de la culture populaire de son époque mais également un medium iconographique signifiant, et comment la cible mouvante qu’il incarnait a été exploitée pour renforcer les discours complexes et souvent anxieux liés au succès international et aux politiques identitaires, permettant d’envisager la globalisation comme un changement positif autant que comme une avancée impérialiste inquiétante.

12Dans le domaine musical cette fois, Christopher Wiley propose un recentrage sur la musique de Michael Jackson. En se focalisant sur Thriller et Black Or White, il redirige les interprétations vidéographiques existantes sur la musique et la valeur culturelle de ces deux productions et complète l’analyse politique et raciale proposée par David Brackett (2012). En portant un regard critique sur le danger des analyses a posteriori biographiques et anachroniques, Wiley propose une démarche qu’il qualifie de responsable et qui vise à faire de la musique elle-même un élément aussi important que les spectacles culturels ou les interprétations biographiques derrière lesquels se retranchent parfois les études sur les musiques populaires. Ainsi, en discutant l’analyse de Mercer « Monster Metaphors » à l’égard de Thriller, Wiley porte l’accent sur les modalités de l’élévation d’une chanson commerciale au statut de musique de court-métrage, subvertissant sa structure initiale et ses paroles pour ouvrir un nouvel espace de narration multi-paramètres. De la même manière, en s’appuyant sur l’analyse réalisée par Burnett et Deivert de Black Or White, l’auteur déplace le curseur des liens polysémiques tissant effectivement les références intertextuelles innervant les images, vers les références multiethniques qui sous-tendent également la musique. Il rejoint ainsi le postulat de John Covach (1999 : 466) pour qui les études sur les musiques populaires doivent se démarquer de celles menées dans les milieux non spécialisés et porter avant tout sur l’objet musical et secondairement sur les implications sociales.

13La dernière grande problématique abordée par l’ouvrage porte sur un autre aspect fondamental du spectacle jacksonien : son aura médiatique et sa dimension charismatique, leur récupération et leur mise en scène. Jesse Schlotterbeck propose (entre autres regards) un décryptage du film réalisé en 2004, Man In The Mirror : The Michael Jackson Story, en utilisant des idées-clés issues des études médiatiques et des théories psycho-analytiques. Il montre, de manière intéressante, comment le film a été articulé pour devenir une métaphore saillante par laquelle sont données à percevoir et comprendre les oppositions conflictuelles qui définissent la subjectivité, l’impact populaire et la portée de l’image de la star, sans oublier l’ambivalence de la fandom. Ce désir du public aspirant autant au succès qu’à la destruction de ses idoles – une désinence du processus dualiste de formation de l’identité – est exploité dans le style du film autant que dans son contenu, en jouant systématiquement sur des doubles-images et des double-perceptions irrésolues jusqu’au rideau final. La difficulté tenant à cette imbrication entre vie privée et textes autobiographiques, que Julian Vigo a identifiée comme une transgression des sphères publiques et privées et A. C. Billone comme un gommage de frontières entre la scène et la coulisse, Schlotterbeck entrevoit surtout une non-acceptation des processus inévitables de surévaluation et de dévaluation. Le film serait l’exact reflet de cette vaine gestion et représentation d’un soi divisé, par une star qui confondait elle-même l’amour inconditionnel qu’elle aspirait à recevoir avec son statut inévitable d’objet de consommation partielle. En présentant ouvertement les conflits généralement inconscients et en offrant deux conclusions, celle du pire et celle du meilleur, le film est présenté comme un texte culturel symptomatique de l’implication populaire dans la célébrité scandaleuse.

14Une autre œuvre filmographique longuement analysée est le film d’animation Captain Eo réalisé en 1986 par George Lucas et Francis Ford Coppola pour les parcs Disney. Michael Jackson a innervé sa production de messages décatégorisants, nous l’avons vu, mais également idéalistes, et Captain Eo en constitue, selon Carl Miller, l’un des exemples d’autant plus emblématiques qu’il est généralement négligé par les lectures qui en sont faites. L’auteur substitue et appose, à la conception souvent admise d’une production technologiquement avancée mais intellectuellement dépourvue, les concepts utopistes et postmodernes qui font de ce court-métrage une fascinante hétéroglossie. À mi-chemin entre les récits traditionnels de Disney et les épopées postmodernes de science-fiction, son message spécifiquement contemporain et abstractisé, l’éloignent du simple divertissement. Captain Eo et Michael Jackson constituent des pôles intemporels cruciaux en tant que projections futuristes et vecteurs de nostalgie, jalon essentiel de la postmodernité. Le scénario apocalyptique est recontextualisé, de manière intéressante, au sein d’une époque (1986) marquée par la politique de défense de l’administration Reagan dans un contexte de guerre froide et sur fond de nuage radioactif de Tchernobyl. L’ensemble est transposé dans une bataille de pouvoir idéologique qui veut substituer l’harmonie universelle à un régime totalitaire dans une immédiateté décisionnelle à contrepied du monde utopique de George Orwell dans 1984. L’utopie prônée par Eo défie le concept d’état mondial (Giddens) ou de monde à part (Thomas More) en portant l’emphase sur les dichotomies morales du bien et du mal et en glorifiant la créativité et l’identité individuelle. Message de tolérance ou d’imposition subjective d’un monde meilleur ? La réponse de Carl Miller est que le « one of us » chanté dans Another Part Of Me est le garant d’une nation plutôt que d’un monde, d’une annexion autant que d’une transformation. La reine, autant que Eo, sont des personnages porteurs de possibles sociaux, d’identités partielles et en mutation. Voyant en Michael Jackson, à l’instar de Ruchi Mital, la figure du cyborg conceptualisée par Donna Haraway (1991), l’auteur analyse Eo comme étant dépourvu de toute motivation guerrière, amoureuse, économique et de pouvoir, mais comme un héros vecteur d’harmonie universelle au-delà de la race, du genre et des impératifs des espèces.

15Mais la quête utopiste n’est pas la seule dimension idéaliste portée par Michael Jackson, et les derniers articles s’intéressent à son charisme et à son héritage symbolique. Ainsi, David Dark inscrit Michael Jackson dans la problématique religieuse en tant que vecteur de processus narratifs historiques, de mots, d’images et de symboles, d’assemblage d’interrogations, d’une poétique mais aussi d’un opium des peuples selon la pensée marxiste. Il constitue, en tant qu’entité commerciale, humaine, artistique, avec ses jeux de scène et ses prières, non seulement un espace intérieur, mais également une figure religieuse sur laquelle s’appuie l’auteur pour problématiser et critiquer son pouvoir de pionnier, son esprit poétique et prophétique, mais aussi sa longue relation avec le public. Il met en évidence son rôle de shaman, de communicant populaire et énergétique du sacré dans sa société, priant tantôt le public, tantôt les administrations politiques, de se tourner vers la misère et l’environnement bien avant les autres artistes pop. L’esprit religieux transparaît dans les postures artistiques jacksoniennes autant que dans l’illumination enfantine perpétuellement ouverte qui jalonne sa pensée créatrice et dans la conception de ses spectacles, emprunts d’un esprit religieux universel, d’une utopie portée par des textes de compassion et de lutte contre la négligence, d’un projet d’éternité sous-tendu par le mystère et la mutation physique propre au zen bouddhiste. Par son approche, David Dark nous montre qu’aborder Michael Jackson comme une figure religieuse relève de la distanciation critique nécessaire à toute saine évaluation.

16Toujours dans le domaine religieux, Diane York Blaine propose une relecture de l’hommage funèbre de Michael Jackson en tant que service hybride conjuguant les protocoles de la célébrité culturelle, du capitalisme tardif et des cérémonies judéo-chrétiennes et comme opportunité d’une ré-imagination culturelle et d’une déification sociale de l’artiste. Son analyse montre de façon éclairante comment ce service s’est efforcé de résoudre les défis et mises en doutes qui ont jalonné la vie de Michael Jackson d’un point de vue racial et sexuel, mais a également cherché à dissoudre la mort elle-même par une récupération éthique, christique et commerciale. En se positionnant tantôt dans un espace où célébrité et religion interagissent, tantôt en s’appuyant sur les contradictions, fragmentations et transformations qui ont jalonné le parcours de l’artiste, elle montre comment l’étrangeté de Michael Jackson est passée du signe de la perversité au statut d’objet sacré ; comment, avec ses choix « discutables » et son auto-marginalisation raciale, il a été présenté non comme un idéal d’intégration mais comme un échec de la lutte pour les Droits-Civiques ; enfin comment, par les mots des enfants de Martin Luther King et de Nelson Mandela, son apolitisme a été légitimé et élevé en un geste politique et historique. En ce sens, cette célébration noire pour un artiste noir mais visualisée par des millions de blancs a bien été le théâtre de légitimation de l’identité noire et D.Y. Blaine parvient à montrer comment, dans une société post-déiste infusant religion et star system, Michael Jackson, institutionnalisé comme symbole d’amour et de rédemption, est devenu un idéal marketing, un dieu monnayable, offrant aux fans la liberté de ne pas choisir entre culture matérialiste et culture spirituelle.

17Mais le spectacle ne serait pas complet s’il n’abordait et ne s’achevait pas par une étude soldant le show médiatique des relations houleuses entre l’artiste et la presse. Zack Stiegler s’intéresse ici à l’ère post-jacksonienne et se penche sur les causes et les modalités du changement drastique qui ont déplacé subitement les projecteurs des rumeurs scandaleuses vers le bagage culturel. L’auteur montre comment sa réputation a été portée et bafouée trans-médiatiquement par les presses officielle et à scandale et combien les nouveaux médias sociaux ont joué pleinement leur rôle tant dans la diffusion de rumeurs que dans la dynamique inverse. En effet, Stiegler met en évidence la récupération expiatoire qui a suivi immédiatement la mort de Michael Jackson et l’interprète comme une volonté de réparation à l’encontre du traitement infligé par le passé, doublée d’efforts de renforcement de son héritage. Préférant, à l’instar de William L. Benoît (1995), la notion de « réparation » de l’image plutôt que celle de « restauration », l’auteur s’appuie également sur les études de Lare et Linkugel (1973) pour montrer comment la presse et les institutions médiatiques ont utilisé le discours apologétique et la stratégie du renforcement pour revenir à une image culturelle, mais aussi photographique, positive, la mort fonctionnant ici comme une libération et une possibilité pour le public de renouer avec son amour originel pour la star.

18Grasping The Spectacle offre donc un captivant tour de scène, distancié et critique, qui met à jour et revisite de manière éclairante les strates narratives d’un artiste postmoderne, pionnier dans son art et dans sa condition en tant qu’incarnation de son propre spectacle et des idéaux pérennes dont il a infusé son œuvre.

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Pour citer cet article

Référence papier

Isabelle Stegner-Petitjean, « Christopher R. Smit (ed.), Michael Jackson, Grasping The Spectacle », Volume !, 10 : 2 | 2014, 235-237.

Référence électronique

Isabelle Stegner-Petitjean, « Christopher R. Smit (ed.), Michael Jackson, Grasping The Spectacle », Volume ! [En ligne], 10 : 2 | 2014, mis en ligne le 30 juin 2014, consulté le 18 octobre 2017. URL : http://volume.revues.org/4102

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Auteur

Isabelle Stegner-Petitjean

Isabelle Stegner-Petitjean, doctorante en musicologie à l’Université de Paris IV–Paris Sorbonne préparant une thèse sur les notions de dé-catégorisation et de crossover au sein de la production artistique de Michael Jackson, Prix jeune chercheur IASPM-bfe 2011 avec l’article publié par Volume ! « The Voice in the Mirror : Michael Jackson: d’une identité vocale à sa mise en image sonore ».

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Droits d'auteur

L'auteur & les Éd. Mélanie Seteun

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